昨年（2010年）のオーディションにて選出され、フランス・アンジェにて研修を行なった望月崇弘さんより体験レポートがとどきました。
2010年以前のレポートも
こちらのページで紹介しています。
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今回のアンジェの生活、エクスチェンジにおいて感じたことを短いながらまとめたいと考えます。
中には、私の個人的な意見等々含まれておりますが、気にせず、アドバイスだと思ってみてください。
まとめるにあたり、ダンサーとしての目線、コレオグラファー、演出家、創り手としての目線、
そして舞踊を研究する者としての目線という３つの目線から感じたこと、実際に行った活動などを報告いたします。
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•CNDCプログラムに参加してみて・・・
今回のプログラムを簡単にまとめます。
11/8～11 /14
アンジェに到着してから、約１週間はCNDCのスタジオで個人レッスン及び生活に慣れる（学生はカリキュラム上、自分の気に入っているカンパニーなどにコンタクトをとり、研修に行っていたため、自由にスタジオが使えました。スタジオは建物が２つあり、１つは実際に住んでいるボディニエと呼ばれる場所に３つ、２つめは芸術センターばりのQuaiスタジオと呼ばれる本拠地に３つあります。）
11/15～11/27
午前：エッセイクラス卒業生によるモーニングヨガ
午後：コンゴ人のコレオグラファーであるForstin Lynyakulaのクリエーション
→こちらのコンテンポラリーダンスの流れ、兆候としておそらくノン・ダンスが主流になっているのではないかと感じた。踊るというよりむしろ、舞台全体の空間性、時間性に重点を置いたり、インプロヴァイゼ―ションの際に起きる偶然性をどうやって引き起こすのかを、議論しながらクリエーションした。
内容としては、導入として、２人が舞台上にいるところから２人だけのパフォーマンスをする。それを見ている観客（学生）がいる。これを全ての組で繰り返す。
次に４人を限度として、誰が舞台上に入ってもよい設定にして行う。そこから、生まれた良い場面、シーンをコレオグラファーが抽出する。発展形として、全員で舞台上にあがり行う。
その際に、踊ることをせず、舞台上を歩き、何がそこで起きているのかを見て、聞いて（日本で言うところの空気を読むということだと感じた）自分はどう動くのか。
・コレオグラファーがしきりに言っていたこと
舞台上をフレームだと考えて、何が描かれるのか、どうやって描かれるのかを感じる。
舞台上にハプニングを起こす。舞台上に立ち、何を見て、何を聞いて何を感じるのかな。そしてそこから自分はどう動くのか。このワークの中から、舞台に立った時に、自分たちは何を感じるのかを植え付けられた気がする。回りが動いたときに、どうするのか、（同調するのか、離れていくのか、無関係に動くのか、関係性を断ち切るのか等々）外部による刺激によって、自分の身体には何が起きているのか、自分の身体の内面性を探るワークであった。
これが、なかなか理解できず、苦しんだ時期でもあった。
ただ、舞台上において、観客はどこに焦点をあてて見ているのか、はたまた、ダンサー側の意図をどのように明確に伝えるかということに関して、ひじょうに為になったワークであった。最終的には１時間ほどの流れで作品ができた。（学生たちはこのワークを断続的に行い、卒業公演に出すらしい。）
とにかく踊ることをせず、ダンサーとしてきた私にとっては消化不良であったが、コレオグラファー、創り手側としての私にとってはとてもプラスになるワークであった。
11/29～12/3
午前：ナントの振付センターのMauliceによるバレエエクササイズ
午後：同じくMauriceによるクリエーション
→Dancer、Teacher、Art Directorという３つの関係から話が進んだ。
フランスでは、この３つがひじょうに連携していて、良い作品には必ずこの構図のバランスがうまく取れているらしい。実際に、Art DirectorがTeacherやDancerに意見して良くしようと考えるし、TeacherはDancerに対して対等な立場をとる。
日本に置き換えて考えると、やはりTeacherの存在が極めて大きく（特に大学におけるダンスや、お稽古場と呼ばれるダンスにとっては）、またDirectorとの掛け合いもなされないものが多い。というよりむしろ、兼任していると言った方が適切かもしれない。
このような考えから、３人組になりそれぞれの組の振付を考える。
そして、次の日から、３人のうちの１人がTeacherになり、他の２人はArt Director役、Dancerは別の組の３人で、考えた振付を細部まで教えていき、そのあとでArt Directorによる評価といった流れで、３日間終えた。その間、Mauriceとも何度も意見交換し、普段ダンサーコースに所属する学生にとっては新鮮なワークであったはずである。
12/6～12/17
ドミニク・ブランによるThe Rite of Springのクリエーション
午前：ドミニクによるモーニングクラス
午後：The Rite of Spring（ニジンスキー初演版のクリエーション）
→これはダンサーコースの卒業公演で上演される予定である
基本的な振付の部分は初演版の振付を忠実に再現するものであったが、構成はその都度ダンサーとクリエーション、ディスカッションしながら変えていった。
12/14
CNDCが抱えるアバトアという小劇場でのパフォーマンス
→前年の横浜ダンスコレクションで、ソロデュオ作品において受賞した長内裕美さんが先にアンジェに留学していて、彼女がCNDCの生徒とのデュオ作品を発表する場が設けられていた。
そこで、私と共にアンジェのエクスチェンジに参加していた堀江氏と相談し、ディレクターのエマニュエル・ユインに交渉し、作品発表をさせていただくことになった。
堀江氏との相談によりデュオ作品を創ることになった。
そのため、基本的にはエクスチェンジプログラムが終わってからか、土日にレッスンスタジオを借り、クリエーションを進めた。
我々はそのパフォーマンスをJapanese Night と呼んだが、このようにディレクターに相談すればエクスチェンジであろうとパフォーマンスができたことは偶然の産物であったし、CNDCの生徒たちにとっても日本人の同世代のパフォーマンスを見る良い機会であったと思う。
•それぞれ３つの視点からフランス（ＣＮＤＣ）のダンスを見る
まずこの３つの視点から捉えるためには、ＣＮＤＣとはどういうところなのかを考えることが先決であろう。日本に置き換えたときの立場的なものを明確にした方が、容易にイメージできると考える。
そもそもＣＮＤＣとは、１９７０年代に当時の首相が、地域における芸術に着眼点を当て、あらゆる地域に芸術センターを文化予算から作ったことから始まる。立場的には日本における芸術専門のダンスの大学院といったところだろうか。
現在、筑波大学大学院舞踊コースに所属している私としては、両方を比較できる立場にあるというところから、捉える事が出来たように感じる。ゆえに冒頭で、ダンサーとして、創作者として、研究者としてといった３つの目線から感想を述べたいと考えた次第である。
ＣＮＤＣでのいわゆる授業に関して述べたい。概要としては、国内外からクリエーターを呼び、１回のタームが２～３週間（我々が参加したプロジェクトは年間に何度か行われるクリエーションの２回目、３回目くらいであった）、それが終われば次の週からはまた別の異なったクリエーターとのワーク。
基本的にワークはそのクリエーターに依存しているのだが、密にＣＮＤＣのディレクター、事務関係の方々とミーティングを組み、何をどのように行うかを考えていたようである。
それをダンサーコースの生徒と共にクリエーションするといった感じである。
さらに、日本における舞踊専攻の学生と異なるところは、１日のほとんどをそのクリエーターとのクリエーションに費やしていた。
私の所属する大学院は体育学専攻の舞踊コースということもあり、ダンスのみというわけにはいかないのが現状で、例えば生理学、社会学、解剖学等々、体育の中に属される授業を受けなければならない。このように考えると、日本における舞踊の始まりと、フランスにおける舞踊とは、根本的な教育の部分で違いがあると感じた。
ダンサーとして捉えたことについてまとめたいと思う。
そもそもＣＮＤＣにはダンサーコースと、エッセイコースと呼ばれる振付家コースの２つがある。今回参加したプログラムがダンサーコースであったため、もちろんダンサーとしての心構えというか意識をもって参加した。しかし、実際行われたことはクリエーターと同等に意見交換をし、お互いの考えを主張しながら作品を創っていくということであった。いわゆる指導型のものではなく共存しながら作品を練り上げていくと言ったところであろう。
さらに驚いたことは、およそダンサーとは思えない身体つきの生徒や、バレーボールに去年まで没頭していた生徒などなど、国内外問わず多種多様なダンサーが集まっていたことである。フランスという場所に対して様々な想像をしていた私にとって一番衝撃だったところがここである。
そして、いざその生徒たちが行うパフォーマンスは、先にも書いたがノンダンスの影響を多分に受けていて、踊るか踊らないかと問われれば、踊らない作品も多々あった。この踊らないというところが後々の私の考察に大きく影響するため後述する。ダンサーとしての目線で参加したと考えたら、少々物足りないものになったが、ダンサークリエーター双方の目線で捉えたときに、かなり大きな影響を受けた。
次に創作者としての視点でとらえたい。先述したが、ダンサーもコレオグラファーも同等の立場で行う共存創作型だと述べた。これは裏を返せば、境目が曖昧になり、そのコレオグラファーのやりたいこと、美学が薄れる可能性が多分に含まれている。そこをうまく理解し、ダンサーのどの部分、どの主張を受け入れ自分の作品にしていくのかというところが重要になってくると感じた。すごく雑多な言い方をすればクリエーションの段階からの人間関係の形成が作品に直結してくるのではと感じた。
何のために動くのかというダンサーの問いを明確にするために意見交換を何度も繰り返し、共有する。これが私が参加した作品において最重要の難題であると感じた。今、何のために動くのかということを書いたが、何のために動くのかを突き詰めたところに、私がこの作品にいるということは、私とはこの作品においてどのような存在かを議論する場でもあったような気がする。
最後に総括として、研究者としての目線から捉えたいと思う。私が大学院で研究している部分からかなり偏った芸術性という視点から捉えることを許容して頂きたい。
先ほどダンサー目線でのパラグラフで述べたが踊らないということに関して多くのことを考察した。どの時代もやはり流行りというものは文化の産物であり、それが新たな文化を形成しまた壊し、新しい流行りが形成されというものは日本と大差ないように感じた。その背景には社会情勢等々出てこようがここでは詳細は控える。
ダンスにおける芸術においてもそれは変わらないだろう。私がフランスで鑑賞した主な舞台（同世代の舞台を中心にみた舞台）において、この流行りをかなり受けているものを何度も観た。その舞台の善し悪し、もしくは好き嫌いはさておき、何のためにその表現手段をとったのか、それを行うに至ってその表現において、その創り手の哲学、美学がはたして洗練されているのであろうか、ということは多々思った。
ただ、それらに対して、研究者としての舞踊の美学を学び始めた私としては、何が新たな舞踊における芸術観なのかを言及することはできないが、なかにはグッと引かれる、いわゆる良い場面（シーン）がある舞台は何度かあった。これは今後私が取り組まなければならない舞踊の新たな美学への提唱だと考えている。
代わって、それらの若いクリエーターの舞台のあとには必ず観客に対してどのような過程を踏んでそのパフォーマンスを行ったのか、どのような芸術論をもってそれを創ったのかを議論するアフタートークが決まって行われた。それによってクリエーターを育てる、観客の目を肥えさせる（肥えるという言葉に様々な意味が含まれることを理解して頂きたい）という目的があるのだろう。
いずれにせよ、素晴らしい場であることに間違いない。
最後に今回エクスチェンジをさせていただき、少しばかりであるがヨーロッパのダンス事情を理解できた（エクスチェンジのあとアムステルダムに滞在したためヨーロッパと書いた）。そこで思ったことは、まず創作者として日本で独自の美学をもった作品を創らなければという考えに至った。さらに研究者として観てきたもの、新たにこれから観るであろう芸術作品に対して、根本的な舞踊の芸術論を自分なりに確立させ、研究していきたいと考えさせられた。
大々的なことを言ったものだと思われるだろうが、創作者として、研究者としてそれくらいの野望は持ちたいものである。今回のエクスチェンジを経験して、ダンサーとしての経験だけに限らず、あらゆる視点から舞踊に対して捉える事ができたことが最大の収穫であったと考える。今後の自身のパフォーマンスに生かされることは間違いない。貴重な体験をさせていただき感謝しています。
望月崇弘
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